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secuencias de créditos clásicas: Si bien se considera que el diseño de las secuencias
de créditos iniciales se consagró como actividad creativa en
el cine en los años cincuenta, a partir del trabajo de Saul
Bass y Maurice Binder, los antecedentes incluyen
filmes como Show Boat de James Whale (1936).
Entre las secuencias clásicas
de Bass está en primer lugar la de The Man With The
Golden Arm de Otto Preminger (1955), un sencillo trabajo
de animación. Para Hitchcock hizo, entre otras, las de
Vertigo (1958) y North by Northwest (1959).
Maurice Binder es conocido como el diseñador de los créditos
de 14 películas de James Bond, desde Dr No (1962)
hasta License to Kill (1989).
Entre las secuencias de
títulos de la década de los años sesenta destacan la de
Stephen Frankfurt para el filme To Kill a Mockingbird
(1962) de Robert Mulligan y la de It's a Mad Mad Mad Mad World
(1963) de Stanley Kramer, realizada por Bass
En el renacer actual del arte
de las secuencias de los créditos sobresalen en primer lugar
las de Delicatessen (1991) de
Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, diseñada por Marc Bruckert,
y Se7en (1995) de
David Fincher, realizada por Kyle Cooper. Herederos del uso de la animación
por Bass en los sesenta son los autores de los créditos de
Catch Me If You Can (2002) de Steven Spielberg,
Olivier Kuntzel y Florence Deygas.
Entre los cineastas actuales
uno de los que más destaca por la preocupación por el diseño
de los créditos de sus filmes es Jason Reitman. Muestra de
ello son Thank You For Smoking (2005) y
Juno (2007). Ambos son trabajos de Gareth Smith.
En Internet hay una página
esencial dedicada al tema: The Art of the Title Sequence.
El link está al final.
EFPEUM
de Mauricio Odremán: Fue publicado en Internet el
mediometraje
EFPEUM
(1965-1967) de Mauricio
Odremán, la que es considerada como la primera película de ciencia
ficción venezolana, o la más antigua que se conoce hasta ahora por
lo menos. Quizás, sin embargo, el filme cuyo título son las siglas
de Estructura Funcional para Encontrarse Uno Mismo se inscribe en
ese género de manera similar a como El topo (1970) de
Alejandro Jodorowsky es un western. Es la alquimia más que la
ciencia lo que cuenta en EFPEUM, y una búsqueda que va hacia
el interior, no científica. Se trata en síntesis de una vertiente
psicodélica y ocultista del género, a tono con la época en la que
fue realizada. Lo que podría haber de tecnológico en el filme es lo
que más evidentemente lo identifica como venezolano: la arquitectura
moderna de Caracas y la abundancia de planos de edificios en
construcción, algo que continúa siendo una constante en el paisaje
de la ciudad.
La importancia actual de EFPEUM
es principalmente histórica. Es uno de los ejemplos que se conserva
del cine venezolano de las dos décadas anteriores al boom de
aspiraciones industriales que comenzó en 1973 con Cuando quiero
llorar no lloro de Mauricio Walerstein. En los años cincuenta y
sesenta destacó en el país una vertiente de cine de autor que
produjo películas importantes caracterizadas por la búsqueda
expresiva, como La chambre d'á cote de Ángel Hurtado (1958),
realizadaen Francia,Araya (1959) de Margot
Benacerraf, premiada en Cannes, y Basta (1969) de Ugo Ulive,
por ejemplo. Entre esas cintas cabe situar la de Odreman.
Kubrick Antes
de Kubrick: En Internet,
la cinemateca del presente donde las cinematecas están en
decadencia, pueden verse gratuitamente las cuatro primeras películas
de Stanley Kubrick, aquellas que anteceden la que el cineasta
consideraba como su verdadera filmografía. Son los documentales Flying Padre (1951),
Day of the Fight (1951) y
The Seafarers (1953), el segundo publicado antes en Vértigo,
y el largometraje Fear and Desire (1953), al que Kubrick en
1991 calificó de "vacilante ejercicio fílmico amateur".
De los tres primeros filmes Flying
Padre es una curiosidad y el tercero tiene interés básicamente
por razones ajenas al cine: es una película de propaganda sobre el
Seafarers International Union, un sindicato de marineros, que al
exponer las conquistas logradas por la organización de los
trabajadores plantea una utopía de la clase trabajadora organizada
en tiempos de la Guerra Fría. De interés para el cine es realmente
la segunda cinta, que anuncia la forma de filmar las peleas de boxeo
que adoptará el cineasta en
Killer's Kiss (1955), que a su vez inspiró a Martin Scorsese
en Raging Bull (1980). El verdadero Kubrick comienza a
perfilarse en Fear and Desire. Trata un tema central en su
filmografía -la guerra-, considerada en sus aspectos azarosos y
absurdos.
Portrait
of Gina de Orson Welles: En 1958 Orson Welles rodó Viva
Italia (Portrait of Gina), un filme para televisión de media
hora sobre Gina Lollobrigida, que servía como episodio piloto de una
serie de televisión que la ABC rechazó. Una leyenda rodea
esta cinta: al parecer el realizador dejó olvidada la copia de
trabajo en el Hotel Ritz de París, y fue encontrada en 1986. En 1994
la televisora alemana ZDF transmitió la película. De allí proviene
el video.
"No es en absoluto un documental; es un ensayo, un ensayo personal.
Soy yo mismo proyectado sobre un tema dado: Lollobrigida y no lo que
es ella en realidad: y es más personal incluso que un punto de
vista", explicó Welles a André Bazin de los Cahiers du Cinéma
ese mismo año. En la cinta hilvana una amplia diversidad de temas
sobre la cultura italiana y entrevista a Vittorio de Sica, entre
otros. De la conversación con la actriz utilizó cuatro minutos,
dedicados a hablar sobre los impuestos, la maternidad y la relación
de los actores italianos con el público.
Portrait of Gina 1/3
Portrait of Gina 2/3
Portrait of Gina 3/3
Otros VIDEOS
Logorama
Filmes premiados por la Sociedad
Psicoanalítica Amateur de Coney Island: Estas 10 películas forman parte de la
exhibición Dreamland: The Coney Island Amateur Psychoanalytic Society and
their Circle (1926-1972) de Zoe Beloff, que presenta
el Museo de Coney Island para conmemorar el
centenario de la visita de Freud a esa localidad en 1909.
En 1926, el fundador y primer presidente de
la sociedad, Albert Grass, propuso a los integrantes que recrearan sus
sueños filmándolos, y que los analizaran. Beloff reunió nueve de los títulos
ganadores, más una película en la que la Sociedad Psicoanalítica Amateur de
Coney Island se presenta a sí misma. Estaba integrada por gente de la clase
trabajadora de diversos oficios, que se reunía para dar satisfacción a sus
inquietudes intelectuales.
Beloff dijo al New York Times que
conoció al grupo al comprar películas viejas. "He coleccionado películas
caseras durante muchos años y siempre pienso de ellas lo que Freud pensaba
de los chistes y de los lapsus, que inadvertidamente revelan las angustias
de la vida cotidiana", dijo. Acerca de si la sociedad existió o no, agregó:
"Es una buena pregunta. ¿Usted qué cree? Pensemos en analizarla. De eso se
trataba Freud, de tomar cosas reales y recontextualizarlas para ver qué
dicen de nosotros. Quizás es la forma que tengo de encararlo".
Alicia antes de Tim
Burton: El estreno de Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)de Tim Burton, con Johnny Depp, el
viernes es un buen pretexto para volver sobre algunas versiones importantes
del clásico literario de Lewis Carroll que pueden verse en Internet.
Vértigo seleccionó tres para sus lectores: la primera que se
conoce, que data de 1903 y que el British Film Institute restauró y acaba de
publicar en Youtube; la de
Hollywood de 1933, con William Cameron Menzies como coguionista y director
de arte, y las actuaciones de Cary Grant, Gary Cooper y W. C. Fields en
papeles secundarios y con disfraces, y la versión surrealista del cineasta de animación
checo Jan Svankmajer de 1988.
La cinta de 1903 fue realizada por Cecil Hepworth y Percy
Stow. Duraba 12 minutos, de los que han podido restaurarse poco más de 9, y
fue en su momento el filme de más larga duración rodado en Inglaterra. Es,
además, una de las películas británicas más antiguas en las que fueron teñidas
de un color uniforme algunas partes, lo cual se convirtió en un
procedimiento usual más tarde. La restauración digital, que rescató esos
tintes, se hizo a partir de una copia muy deteriorada que formaba parte de un lote de
materiales donados al BFI en 1960.
La versión de 1933 destaca por el trabajo de Menzies, quien fue el primero
en figurar en los créditos de un filme de Hollywood como diseñador de
producción, en Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind,1939).
Ganó un premio honorífico de la Academia por esa película. Esta Alicia en el
país de las maravillas, realizada por Paramount,fue dirigida por
Norman McLeod, y el otro escritor, junto con Menzies, fue Joseph L. Mankiewicz,
el director y guionista de Eva al desnudo (All About Eve,
1950), entre otras películas. Pero es básicamente una cinta de dirección de
arte, es decir, de Menzies. Charlotte Henry hace el papel de Alicia.
Svankmajer es uno de los realizadores más importantes en la historia del
cine de animación. Fue integrante del grupo surrealista checo y es
continuador de la tradición de stop motion con muñecos que tiene en Jiri Trnka la
figura fundadora. La surrealidad de sus cintas está dada no solamente por
los muñecos que utiliza y los objetos encontrados, sino también por las
texturas y por una puesta en escena que, con su distribución aparentemente
azarosa de las cosas y la suciedad, hace que sus imágenes parezcan más
reales que las pesadillas. Su Alicia es una película de terror,
libremente inspirada en los dos cuentos de Carroll. Eso se percibe claramente
en el rostro de la niña actriz, Kristyna Kohoutova. En el filme sobresale también el trabajo de
sonido. Sin Jan Svankmajer es probable que no hubiera Tim Burton.
Seis cortos nominados al Oscar:
Fueron publicados en Internet los cortometrajes
Logorama de Francois Alaux, Herve de Crecy y Ludovic Houplain, y
Granny O'Grimm de Kathleen O'Rourke, y volvió a estar en
línea A Matter of Loaf and Death de Nick Park, que había
estado antes en la revista. Ahora pueden
verse todos los cortos que compiten por el Oscar en el
renglón de animación en Vértigo, junto con Miracle Fish
de Luke Doolan, que está nominado en la categoría de mejor
cortometraje.
