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Karate Kid de Harald Zwart:
Hay varias cosas que hacen del remake Karate Kid (The Karate Kid, 2010)
una película irritante. La principal es consecuencia del ajuste de la
historia original a la medida de la estrella, Jaden Smith, el hijo de los
productores Will Smith y Jada Pinkett Smith, lo que se añade a su traslado a
la República Popular China por razones de coproducción. Las peleas entre
niños de 11 o 12 años de edad –que es también la edad del actor principal–
no son iguales que las de adolescentes a punto de terminar el bachillerato
de la cinta de 1984 –con un actor principal de 23 años de edad–, más aun
cuando Smith basa su trabajo en despertar una tierna simpatía en el
espectador con sus ademanes y caritas, y el estilo sensorial de la dirección
hace resaltar los crueles golpes y las caídas que sufre. Al final se
convierte en figura de un circo romano moderno, de rock y pantallas, en el
que los niños parecen personajes de un brutal programa de ESPN. Al menos por
el mal ejemplo que el filme transmite en relación con la violencia resulta
insólito que lo hayan declarado apto para todo público en Venezuela. Si en
vez de que le molieran la pierna a golpes el protagonista hiciera el amor a
esa edad con la muchachita de la que se enamora sería el fin del mundo para
los conservadores, ¿no? - Pablo Gamba
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Habana Eva de Fina Torres:
Habana Eva (2010) es un filme en el que vuelven a encontrarse expresadas las dos
inquietudes fundamentales del cine de Fina Torres, que están presentes en su
filmografía desde Oriana (1985), película por la que ganó la Cámara
de Oro en el Festival de Cannes de 1985. La primera es darle cabida en el
cine a la mirada femenina; la segunda, la búsqueda de respuestas personales
para el problema de la identidad. Considerar ambas cosas por separado es un
ejercicio justificado únicamente porque lo que suele representarse como
sexualmente neutro en el cine puede no ser sino manifestación de la mirada
masculina, abrumadoramente predominante en Hollywood y en casi todas las
cinematografías nacionales. El cine venezolano es una rara avis por la
existencia de un número comparativamente elevado de mujeres cineastas, pero de
los cuatro largometrajes que ha dirigido Torres tres son coproducciones con
el exterior y el cuarto es estadounidense, Woman on Top (2000).
Identidad y sexualidad están indisolublemente unidas en las películas de la realizadora
venezolana. Ambas cosas confluyen en una búsqueda de lo que uno quiere hacer
de sí mismo porque siente que es su destino. Planteada de ese modo la
pregunta adquiere una dimensión a la vez personal y universal. No es una
identidad que pueda ser definida principalmente sobre la base de la
adscripción a una representación establecida de la nación, la clase social,
el sexo, etcétera. Eso se evidencia, por ejemplo, en el hecho de que en sus
filmes siempre hay personajes en tránsito de una nación a otra: de Francia a
Venezuela en Oriana; de Venezuela a Francia en Mecánicas celestes
(1995), de Brasil a Estados Unidos en Woman on Top y de Cuba a
Venezuela y de vuelta a la isla en Habana Eva. Pero no por eso deja
de ser una inquietud característicamente venezolana y latinoamericana: es un
lugar común considerar como propio de nuestra cultura percibir la identidad
como una cuestión importante y problemática, debido a que se forjó como
resultado de un proceso de mestizaje - PG
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Habana Eva de Fina Torres:
Fui al cine a ver con mucha expectativa a Habana Eva de Fina
Torres y la verdad, se quedaron cortas las recomendaciones. La única
película que había visto de esta directora, era más que suficiente para
tenerla como una de nuestras mejores realizadoras. Oriana
significó para mi un antes y un después en el cine nacional y esta obra
vuelve ser un punto de inflexión. La primera sorpresa que me llevé, fue ver la sala un 50% llena, lo cual
para mí es todo un récord, ya que cada vez que voy a ver una película
venezolana puedo contar los asistentes, casi todos conocidos. En esta
oportunidad, salvo unas alumnas que entusiasmé en la entrada, no vi a
más nadie y eso, es un buen indicador de que el cine nacional comienza a
tener audiencias - Morelis Gonzalo
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El origen de Christopher Nolan:
El objetivo de hacer una superproducción de acción que logre despertar el
interés del público pensante de El caballero negro (The Dark
Knight, 2008) se repite en El origen (Inception, 2010) del
mismo director, Christopher Nolan. Pero no con la misma receta. El detalle
singular de aquella cinta de Batman era Heath Ledger en el papel del Guasón,
un personaje de comiquita con el que era posible hacer casi cualquier cosa y
que el actor aprovechó para lograr una interpretación excepcional que le
valió el Oscar póstumo. No son las actuaciones lo que destaca en El
origen, aunque los nombres en el afiche no dejan de ser un gancho para
el cinéfilo. El Cobb de Leonardo di Caprio, el personaje principal, es una
versión de segunda mano del Teddy Daniels que encarnó en La isla
siniestra (Shutter Island, 2009) de Martin Scorsese; la nominada
al Oscar por Juno (2007), Ellen Page, no aporta mucho más que su
juventud como Ariadne, la brainy adolescente, y a Marion Cotillard,
premiada por la Academia por La vida en rosa (La Môme, 2007),
le dieron el personaje de la mujer de la vida del protagonista sin relatar
la vida que le lleva a convertirse en esa mujer, y aunque es una actriz
bella, no es lo suficientemente deslumbrante para llegar a convencer de que
es la chica de los sueños de Cobb.
Es en la manera como se trata un tema donde está lo que le da a El origen el
toque de seriedad que se espera de un filme escrito y dirigido por el
realizador de Memento (2000) y del remake Insomnia (2002).
Pero primero hay que advertir que es conveniente evitar extraviarse por los
vericuetos de la psicología amateur para tratar de entender esta mezcla de
heist movie, como Casta de malditos (The Killing, 1956) de
Stanley Kubrick, con The Matrix (1999) de los hermanos Wachowski. Los
mundos soñados de El origen no son propiamente oníricos sino
ambientes diseñados por especialistas cuya labor es análoga a la de los que
crean videojuegos o hacen diseño de producción en el cine. Cuando el
inconsciente irrumpe en esos ambientes artificiales lo hace como una
interferencia que causa problemas - PG
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Corazones ardientes de Guillermo Arriaga:
Corazones ardientes, como han titulado en español The Burning Plain (2008), es un filme
paradójico. Hay en la cinta escrita y dirigida por Guillermo Arriaga una
mezcla en la que la claridad de una narración reiterativa anula el misterio
de lo que se relata. El guionista de Amores perros (2000), 21
gramos (21 Grams, 2003) y Babel (2006), de Alejandro
González Iñárritu, cuenta en su opera prima en el largometraje una historia
de amor y destino trágico, de culpa y de redención, con el trasfondo de la
frontera entre México, su nación, y Estados Unidos. Son dos países que, al
igual que los amantes del filme, están hechos el uno para el otro por
razones demasiado evidentes, que sin embargo no son capaces de comprender y
les llevan a rechazarse. Hay misterio y dolor en todo ello, y tiene como
correlato un montaje alternado, como es característico los filmes escritos
por Arriaga, que pasa de una rama de la historia a otra, dando saltos
también el tiempo, sin solución de continuidad, prescindiendo también de
intertítulos o las marcas de coloración. Las actuaciones están en las
antípodas de los clichés de lo dramático hollywoodense y del estereotipo
emotivo latinoamericano. Se afincan en la contención y en la dureza, razones
por las cuales resultan más impresionantes los gestos con los que los
sentimientos afloran, como el temblor de Gina, el personaje de Kim Bassinger,
y la lágrima de María, la niña que interpreta Tessa la. Pero todo eso está
acompañado de anticipaciones que hacen obvio
lo que va a suceder antes de que ocurra, y
que dejan claramente explicado lo que podría
haber planteado preguntas inquietantes, por
lo que la participación del espectador es
limitada. Todo se le da en cucharita y sin
suspenso - PG
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Dos amantes de James Gray:
Dos amantes (Two Lovers, 2008) de James Gray está inspirada en la novela corta de Fedor
Dostoievski Noches blancas. Es por ende una película cuyo
protagonista es un soñador. El personaje del escritor se describe a sí mismo
como uno de los que tienen un trabajo regular, pero cuando al mediodía
cierran las oficinas, las tiendas y los ministerios para el almuerzo y la
siesta, en el camino “todo lo mira de un modo inconsciente, como si tuviese
al mismo tiempo el pensamiento ocupado con algún objeto distinto, lejano,
especial, de suerte que no tarda en no tener para lo que le rodea sino una
ligera mirada, y esto cuando algún azar le distrae la atención”. Continúa el
soñador, dirigiéndose a la muchacha que acaba de conocer, y de la que
lógicamente se ha enamorado: “Alegre se siente como un colegial que se
levanta de los bancos de la clase y de nuevo puede entregarse a sus juegos y
distracciones favoritas. Si usted lo observara, Nástenka, observaría al
punto que esa alegría ha empezado ya a actuar beneficiosamente sobre sus
nervios excitados y sobre su fantasía, de una excitabilidad morbosa. Ya esa
misma fantasía llevóse en sus juguetonas alas a los transeúntes curiosos y a
los rústicos mozos; todo se lo llevó ya la fantasía caprichosamente en su
red, como la telaraña a las moscas, y con el botín recién cogido entra el
tipo raro en su casa, se sienta a la mesa y come, y hecha su colación no
vuelve enteramente en sí hasta que Matríona, su patrona eterna, malhumorada
y taciturna, le ofrece la cachimba; hasta entonces, como digo, no vuelve
enteramente en sí, y entonces nota con asombro que ya comió sin percatarse
de ello” - PG
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FANtasmo de Jonás Romero:
En el mediometraje venezolano FANtasmo (2009) hay dos preguntas que se
hacen a diversas personas en la calle: ¿usted conoce al presidente Hugo
Chávez?, ¿lo ha tocado? Pero no es una encuesta sobre el jefe de estado. El
uso de actores obliga a descartar esa posibilidad. La segunda de las
interrogantes del documental de Jonás Romero tiene una respuesta que se
refiere más bien a lo táctil del medio de comunicación de masas sobre la
base del cual la gente se construye las más diversas representaciones de
Chávez. Se trata de su presencia constante en la pantalla de televisión,
medio al que Marshall McLuhan consideraba como una extensión del tacto.
FANtasmo es sobre esa manera de sentir a Chávez y de las diferencias con
la experiencia real de tocarlo. En cuanto a la primera pregunta, la película
muestra que el presidente no sólo está continuamente en la televisión sino
que gracias a ella puede estar en casi todas partes. Sus palabras acompañan
a la gente en su vida cotidiana, y en las distorsiones del sonido que el
realizador no limpió se percibe a su vez una aspereza, rugosidad: otra
experiencia táctil. Pero, ¿puede llegar a conocerse al presidente de esa
manera? - PG
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Loco corazón de Scott Cooper:
Loco corazón Crazy Heart, 2009) es como una de esas viejas
canciones que se cantan para tratar de
disipar la tristeza. Cuenta una historia de
redención que es como todas esas historias.
Bad Blake, el protagonista, una vieja gloria
del country, se ha ido dejando sumergir cada
vez más profundamente en la decadencia y en
un mar de alcohol. Encuentra algo de aliento
para nadar hacia la orilla en el amor de una
joven y bella periodista, y luego de
golpearse contra el duro fondo de la nada se
levanta para emprender una segunda carrera
en la música - PG
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Bienvenido a Woodstock de Ang Lee:
Hay
una imagen en Bienvenido a Woosdtock (Taking Woodstock,
2009) que resume lo que representaron los 3 días paz y música en White
Lake, en el estado de Nueva York, del 15 al 17 de agosto de 1969, desde
la perspectiva de los que vivían allí. El primero de los organizadores
del concierto de Joan Baez, Grateful Dead, Jefferson Airplane, Santana,
The Who, y otros 27 artistas y grupos llega como caído del cielo, en
helicóptero, a ese lugar. La película dirigida por Ang Lee y escrita por
James Schamus es una sinécdoque de cómo pudo haber sido recibido el
movimiento contracultural de los sesenta en
muchos lugares como ese, en Estados Unidos y
en otros países: como una revolución venida
de otro planeta, que si bien no logró
cambiar el sistema –cosa que en el filme se
hace evidente por cómo se sacan las cuentas
del negocio y cómo los dólares pasan
grotescamente de mano en mano–, al menos
pudo cambiar un poco la vida de muchas
personas que no eran hippies - PG
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Cheila, una casa pa' Maíta de Eduardo Barberena:
En Cheila, una casa pa’ Maíta
(2009) se plantean y trascienden problemas
derivados de la condición del transexual,
esa persona que, considerándose mujer, se
siente atrapada en un cuerpo de hombre o
viceversa. Por una parte es más que el
cambio de sexo lo que está en juego. Es la
elección de la vida que una persona quiere
vivir y la lucha para conquistar el destino
que ha elegido. Además, el filme plantea una
reflexión sobre la trampa que puede llegar a
constituir la tolerancia cuando se establece
por exclusivas razones de conveniencia -
PG
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Hermano de Marcel Rasquin:
El tema de la salvación de la pobreza por el talento vuelve al cine
venezolano en Hermano (2010), un drama deportivo de contenido social
sobre el fútbol que se desarrolla en un barrio ficticio de Caracas. Estuvo
presente en Maroa (2005) de Solveig Hoogesteijn, sobre una niña de la
calle que encuentra la salida a través del Sistema Nacional de Orquestas
Juveniles e Infantiles, y en La clase (2007) de José Antonio Varela,
sobre una maestra de música y alumna del mismo sistema, y que es una crítica
marxista del deseo de ser rescatado de la marginación por el reconocimiento
de los méritos individuales por parte de esa institución. En la opera prima
de Marcel Rasquin la esperanza de salvarse del barrio está depositada en el
Caracas Fútbol Club. Pero el filme, que comienza con el hallazgo de un
recién nacido botado en la basura, le da una patada al espectador deseoso de
valerse del melodrama para escapar de la reflexión sobre la realidad y le
saca la tarjeta roja también a la crítica ideológica abstracta del
individualismo. El final es un llamado a pensar por uno mismo en el problema
- PG
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Hermano de Marcel Rasquin:
Hemos terminado un mes de intensa
pasión y España se alzó con el trofeo más
preciado del mundo. Habrá que esperar cuatro
años, hasta Brasil, para ver si el equipo de
nuestros sueños logra la victoria. Otros
desde hace un tiempo están festejando que el
Caracas FC se hiciera con el campeonato de
la temporada pasada. En fin, en tiempo de
fútbol hay que tener las botas bien puestas
para lograr la victoria. Claro, uno sólo lo
ve desde la Barra Roja en nuestro caso.
Otros tienen la victoria en sus pies. De eso
se trata la vida de Julio y Gato, hermanos
de crianza de un barrio caraqueño
cualquiera, quienes debaten sus vidas entre
dramas, calles y balones de fútbol -
Patricia Kaiser
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El esfuerzo para ver al otro:
Pista doméstica (2010) podría ser vista por los cinéfilos como un
comentario irónico sobre la frase
injustamente lapidaria con la que Harry
Moseby quiso sepultar una película de Eric
Rohmer: “Fue como ver pintura secarse”. La
pieza de Juan Pablo Garza, el artista
ganador del primer premio en el Salón de
Jóvenes con FIA, es ver pintura chorrear.
Literalmente. Se derrama manchando
lentamente una toalla en un baño. Hace
recordar las naturalezas no tan muertas de
la artista plástica británica Sam
Taylor-Wood, directora del filme Nowhere
Boy (2009), en las que los alimentos que
en los cuadros se conservan intactos para
siempre se pudren en el video. Es pintura en
movimiento - PG
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